¿Qué preparativos debe hacer un artista antes de dominar una pista?

¿Qué preparativos debe hacer un artista antes de dominar una pista?

La música digital ahora compensa 5.8 millones de dólares de los 19.1 millones de dólares en ingresos de la industria discográfica mundial. 14.6 millones de canciones se suben cada año solo a Spotify.

Esto permite a cualquiera crear sus propias pistas desde casa, pero también ha aumentado las expectativas de los oyentes.

Dominar una pista es el paso final en el proceso de producción musical. Proporciona los toques finales y se suma a todos los demás pasos para garantizar que no haya problemas de audio.

Lea nuestra guía de masterización de canciones para descubrir cómo preparar una pista para ser masterizada y hacerla lo mejor posible.

Preparando una mezcla para masterizar

Mezclar implica regular los niveles de cada instrumento y / o pista para asegurarse de que todo suene bien junto. Es la forma más eficaz de preparar una mezcla para masterizar.

Primero, asegúrese de elegir el formato de mezcla correcto. Hay varias opciones, pero cualquiera que elija, intente utilizar el bit y la frecuencia de muestreo más altos que pueda. De esta manera, la mezcla dulce que cree no cambiará significativamente cuando llegue a la etapa de masterización.

Equilibrio tonal se refiere a cómo la energía, es decir, los tonos, se mueven a través del espectro de audio. Determina cómo se relacionan entre sí todas las frecuencias diferentes de una pista.

Al mezclar, verifique si hay pistas o instrumentos cuyos niveles sean demasiado altos o demasiado bajos. Regúlelos manteniendo su balance de ecualización en todos los canales y cortando y / o agregando frecuencias.

Deje suficiente margen y asegúrese de que sus transitorios no sean demasiado altos mientras mezcla. De lo contrario, su pista puede sufrir cortes y otros problemas de audio.

Use pistas de referencia durante todo el proceso de mezcla. La mejor manera es guardar varias versiones mientras trabaja y compararlas con lo que tiene ahora para ver qué puede mejorar.

Crear una mezcla adecuada siempre debe venir antes de dominar una pista. Ser capaz de distinguir entre los dos pasos te ayudará a hacer ambos de manera efectiva. Aprende el diferencia entre mezclar y masterizar aquí.

Dominar una pista

La masterización de canciones lo ayuda a cumplir con los estándares de transmisión, creando una calidad profesional y constante en todas sus pistas. Por eso es tan importante saber dominar una canción correctamente.

Puede verificar el equilibrio tonal mientras domina una canción comparándola con una canción similar y / o utilizando un analizador espectral.

Los compresores son herramientas que reducir el rango dinámico, es decir, la diferencia entre los sonidos más suaves y más fuertes. Esto determina qué tan alto puede hacer la pista y afecta factores como la plenitud y el detalle.

Los compresores no siempre son necesarios, pero a veces ayudan a regular el sonido y hacerlo nítido. Si usa uno, trate de mantenerse dentro de una proporción de 1.25: 1-1.5: 1 y no más de 2.1

Utilice siempre la mejor calidad posible al dominar una pista. Si debe cambiar los niveles de calidad, tenga cuidado de evitar la degradación.

La masterización es una parte esencial para asegurarse de crear una canción de alta calidad. Para más consejos, consulte nuestro 10 consejos para dominar a los novatos y como saber si has dominado una canción correctamente.

Dónde conseguir tus canciones masterizadas

Dominar una pista es una parte esencial del proceso de producción musical. Hace que su producto final suene lo mejor posible.

Mezclar es el proceso de preparar una pista para masterizar. Regule todos los niveles, verifique el equilibrio tonal y asegúrese de que los sonidos se combinen bien. Siempre cree una mezcla adecuada primero antes de dominar una pista.

Es posible dominar el sonido en casa, pero contratar a un ingeniero de masterización profesional generalmente le brinda un mejor producto final.

Podemos ayudarlo con todas sus necesidades de producción musical. Mira nuestro tasas de masterización y obtén un muestra de masterización de audio gratis .

Mezcla vs masterización: ¿Cuál es la diferencia real?

Mezcla vs masterización: ¿Cuál es la diferencia real?

En el mundo de la producción musical amateur, las personas a menudo intercambian mezcla y masterización, como si fueran la misma cosa.

Sin embargo, esto no podría estar más lejos de la verdad. Aunque, ambos son de importancia crítica y ayudan a equilibrar el proceso del otro.

En pocas palabras, mezclar: equilibra los sonidos / instrumentos individuales al unísono. Y masterización: hace que una canción o pista se adapte al resto de la música del mercado.

Sigue leyendo para tener una mejor idea de las diferencias entre mezclar y masterizar.

¿Qué es mezclar?

Como se mencionó anteriormente, la mezcla ayuda a tomar todos los instrumentos y pistas, combinándolos en una sola disposición de trabajo.

Un ingeniero de mezcla tomará los instrumentos y las pistas, equilibrando la ubicación espacial, la dinámica, las frecuencias y el volumen.

Sobre el papel, suena simple y puede serlo. Básicamente, desea evitar los instrumentos demasiado ruidosos y silenciosos. No deben superponerse entre sí en el espectro de frecuencia mientras reducen los transitorios del pico.

En general, la mezcla se puede dividir en dos pasos:

  1. Balance
  2. Emoción

El equilibrio es el proceso de crear una buena mezcla. Presentando la canción con sus mejores características.

Y la emoción es el proceso de crear una gran mezcla. Uno usaría herramientas para hacer que la canción suene mejor de lo que lo haría en un arreglo en vivo, tirando de cadenas de emoción.

Para hacer una canción genial, uno debe hacer miles de ajustes minúsculos. Usando herramientas como automatización, saturación, phasers, chorus, ensanchadores estéreo y otros.

El resultado final de una canción proviene de aproximadamente el 80% del proceso de mezcla.

Sin embargo, el 20% final para completar la canción es tan importante, si no más, en el proceso de producción musical. Ahí es donde entra en juego la masterización.

La mezcla es la personalización del sonido y es una forma de hacer tu propia canción.

¿Qué es el dominio?

La masterización no puede comenzar hasta que la mezcla haya finalizado. Sin embargo, la mezcla puede durar para siempre, por lo que es importante determinar cuándo es ideal, pero no perfecto.

Los objetivos de un ingeniero de masterización son hacer que la canción suene más fuerte, hacer que la canción suene mejor y hacer que la canción funcione en todo tipo de reproductores de audio (altavoces, auriculares, etc.).

Como se mencionó anteriormente, el dominio es el proceso de hacer que una canción suene como cualquier otra canción profesional en el mercado actual. Cuando escuche esta canción en una lista con otras personas, no debería sonar fuera de lugar.

Ejemplificando los mismos niveles de volumen, tendencia de frecuencia y capacidad para ser escuchados en todos los reproductores / salidas multimedia.

Un poco más sobre el importancia de dominar la música en nuestro blog.

¿Cuál es la diferencia entre los dos?

Para hacerlo simple, aquí hay una lista rápida de diferencias entre mezclar y masterizar.

La mezcla funciona con todos los instrumentos / pistas mientras que la masterización funciona con un sencillo final. La mezcla es el 80% del proceso de producción de la canción y la masterización es la pista final del 20%.

La mezcla equilibra todos los sonidos juntos. El dominio equilibra toda la canción.

La mezcla funciona para crear equilibrio y emoción. Dominar trabaja para crear una canción presentable entre otras.

Mezcla vs masterización - Fight Of Equals

Teniendo en cuenta las diferencias, mezclar vs masterizar son igualmente importantes. ¡Uno no puede existir sin el otro!

Para hacer una canción verdaderamente memorable y presentable, ambos son necesarios para finalizar la producción. Después de todo, la música trata sobre la expresión de las personas. No solo una sola persona.

En caso de que estés buscando servicios de masterización profesional, ponte en contacto y con gusto te ayudaré a hacer una canción realmente hermosa.

Dominar la música: ¿por qué es importante?

Dominar la música: ¿por qué es importante?

Alrededor de 40,000 canciones se suben a Spotify todos los días. Eso es 14.6 millones de canciones cada año.

Con tanta música disponible, los oyentes han llegado a esperar un cierto nivel de calidad. No solo debe mezclar su música con un buen estándar, sino que también debe dominarla.

¿Qué es dominar la música exactamente? ¿Por qué es importante?

Sigue leyendo para aprender más.

¿Qué es el dominio de la música?

Dominar es la etapa final de la producción musical.

Empiezas grabando tu canción. Luego lo mezcla, equilibrando los niveles de los diferentes instrumentos para que suene lo mejor posible. El paso final es el dominio, que da un pulido final a toda la canción.

La masterización utiliza técnicas como la compresión y la limitación para hacer que la versión final de la canción sea la mejor posible.

¿Por qué deberías dominar tu música?

Si usted tiene mezcló tu música tan bien como puedas, o contratar a alguien para que lo haga por ti, debería ser perfecto, ¿verdad? ¿Hay alguna necesidad de dominarlo también?

Respuesta corta: si! Aquí hay algunas razones por las que dominar es tan importante.

Cumple con los estándares de transmisión

Si planea cargar su música para su distribución, entonces debe tener un cierto nivel de calidad.

Spotify, por ejemplo, requiere que se oriente al nivel de sonoridad de su dominar para -14 LUFS con espacio para la cabeza de -1 db. Si no usa los niveles correctos, estos sitios comprimirán su música para cumplirlos, lo que puede hacer que suene mucho peor.

Si planea lanzar CD o vinilo, su música debe ser masterizada profesionalmente antes de que se publique.

Haz tu álbum consistente

Si está armando un álbum, entonces la masterización adecuada es vital.

Si no domina todo correctamente, cada canción sonará diferente a la siguiente. Podría ser más fuerte o sentirse más confuso, haciendo que el proceso de escuchar el álbum sea mucho menos agradable. Es posible que los oyentes sigan teniendo que cambiar el volumen para obtener el mismo nivel de sonido para cada canción.

Una buena masterización hará que todo tu álbum suene consistente.

Sonido profesional

El dominio adecuado puede convertir una canción que suena un poco de aficionado en una que suena completamente profesional.

Todos los artistas importantes tienen su música masterizada profesionalmente, e incluso si nunca has oído hablar de la masterización, podrás escuchar la diferencia entre una pista que no se ha masterizado correctamente y otra que sí.

Sin masterización, nunca logrará la calidad de sonido profesional a la que los oyentes se han acostumbrado.

¿Estás buscando dominar tu música?

Ahora que sabe por qué es tan importante dominar la música, es posible que esté buscando a alguien que domine su música. Si es así, estás en el lugar correcto.

Ofrezco servicios de masterización en línea rápidos, convenientes y accesibles. Cargue sus pistas y las dominaré utilizando equipos de última generación, con una experiencia personalizada para el cliente que es insuperable.

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5 consejos profesionales para grabar voces perfectamente cada vez

5 consejos profesionales para grabar voces perfectamente cada vez

Lo has hecho. Has creado la canción perfecta y es hora de mostrársela al mundo. Pero algo sucede cuando vas a reproducir el archivo.

Las grabaciones vocales son terribles. Hay ruido de fondo, el volumen se desliza hacia adentro y hacia afuera, y ocasionalmente hay un chirrido de estática o un parche de fuzz. Este audio no se puede utilizar: has vuelto al punto de partida.

Entonces, ¿cómo puede evitar que este escenario de pesadilla suceda?

¡Todo lo que tiene que hacer es escuchar porque estamos aquí para brindarle 5 consejos profesionales para grabar voces perfectamente en todo momento! ¿Estás listo? Entonces comencemos.

1: Use las herramientas adecuadas para el trabajo

¿Usarías una llave inglesa para clavar un clavo? No, porque esa no es la herramienta adecuada para el trabajo. Una idea similar se aplica a las grabaciones vocales.

Por ejemplo, adoptar el enfoque de “un micrófono lo resuelve todo” es una mala idea: diferentes micrófonos manejarán mejor diferentes sonidos. Los dos tipos principales son micrófonos de condensador y dinámicos.

Los micrófonos de condensador son micrófonos con un diafragma pequeño y liviano en el interior para capturar el sonido. Como resultado, graban instrumentos de alta frecuencia como el piano o la guitarra acústica mejor. Los micrófonos dinámicos tienen diafragmas más grandes y están más equipados para sonidos de baja frecuencia.

La selección del micrófono puede ser complicada, querrá analizar el tipo de género con el que está trabajando, así como el tipo de cantante con el que trabajará si está grabando a otra persona. Si vas a estar trabajando en pop o rock, un micrófono dinámico como el Shure SM7B podría ser el truco, aunque puede que no siempre sea así. En la mayoría de los estilos de música, la mayoría de los productores optarán por un micrófono de condensador o de tubo debido a sus patrones polares. En este escenario, algunos de los micrófonos más buscados son el Neumann U87 y el Telefunken u47, sin embargo existen opciones más asequibles como el Rode NT1 que te darán un gran resultado. Por lo tanto, al elegir un micrófono, siempre considere el estilo de música con el que trabajará y recuerde hacer su investigación.

Si no está seguro de qué equipo podría necesitar, eche un vistazo a listas de equipos El uso de empresas profesionales puede resultar útil.

2: Tome medidas para facilitar la postproducción

Eventualmente, podrás mezclar y masterizar tu pista. Así que por mucho que sea un dolor de cabeza ahora, tome medidas para que sea más fácil para usted a largo plazo.

¿Necesitas un ejemplo? Siga sus voces en mono, pero enrute sus efectos, como delay y reverb a una pista estéreo. Si bien aún debe verificar esas mezclas en mono, la grabación de los efectos en estéreo le dará a su voz una calidad más vibrante y rica.

Otro ejemplo es estudiar una buena técnica de micrófono: qué tan lejos debe estar alguien, cómo debe estar, etc. De esta manera, puede entrenar a sus vocalistas para evitar errores con los que tendría que lidiar en el proceso de edición.

3: ¿No tienes un filtro de pop? Conseguir uno

Un filtro pop es un "protector" especial construido para ayudar a dispersar la intensidad del aire que viene cuando dices letras "duras" como B, T, P, etc. Sin este protector, corres el riesgo de sobrecargar tus grabaciones vocales cuando estas aparecen letras en su voz.

Los filtros pop también son bastante económicos, por lo que si puede ahorrar los fondos para obtener uno, lo recomendamos.

4: Verifique la acústica

El lugar donde graba su voz es tan importante como las herramientas que usa para grabar esas voces. Grabar en una habitación con mala acústica puede hacer que suene hueco o débil. Así que asegúrese de tratar la habitación en la que va a grabar con técnicas como colocar paneles de espuma en las paredes para absorber las ondas de sonido o colocar cosas para difundir el sonido.

Realizar pruebas con anticipación también es una gran idea. Nada peor que grabar solo para descubrir que hay un problema que las pruebas de antemano habrían encontrado.

5: Mantenga cómodo al cantante

No se preocupe, esto no significa gastar miles de dólares para satisfacer todas sus necesidades.

Es tan simple como aplicar un efecto de reverberación a través de los auriculares del cantante mientras está actuando. Esto ayuda a ahogar algunas de las pequeñas imperfecciones que los cantantes pueden tener en su voz normal para que el cantante pueda sentirse libre de relajarse y dar todo lo que tiene.

Comience a grabar voces

Felicidades! ¡Ahora está equipado con 5 consejos que necesita para ayudarlo a grabar las voces de la manera más perfecta posible!

Si está interesado en aprender más sobre el proceso de grabación y mezcla de música, ¡consulte las otras publicaciones en nuestro blog! Así que hasta la próxima: rompe una pierna y sigue cantando.

La importancia del equilibrio tonal en el dominio del audio

La importancia del equilibrio tonal en el dominio del audio

Sabes cuando has escuchado una buena pieza musical cuando simplemente funciona. No puede precisar por qué, pero cada parte funciona para mejorar las demás.

Lo más probable es que hayas acertado con una canción con un buen equilibrio tonal.

Algunas ideas sobre cómo debería sonar la música provienen de la música clásica de principios del siglo XIX. En aquel entonces, la música se trataba equilibrio tonal y fraseo simétrico.

Si bien hemos perdido parte del enfoque en el fraseo, todavía apreciamos un buen equilibrio tonal hoy.

¿Porqué es eso? Siga leyendo para obtener más información.

¿Qué es el equilibrio tonal?

El balance tonal es la forma en que la energía, o el tono, se distribuye en el espectro de audio. En otras palabras, cómo se relacionan las frecuencias que puede escuchar entre sí.

Muchos artistas e ingenieros de audio hablarán de que una mezcla está 'equilibrada'. El problema es que la definición de equilibrio tonal puede ser subjetiva. Diferentes personas lo interpretan de diferentes maneras.

Los músicos tienen una concepción diferente del tono porque depende de qué instrumento y estilo toquen.

Los ingenieros tienen un enfoque diferente porque tienen más factores individuales para jugar.

Tienen que equilibrar el instrumento, la acústica del espacio de grabacióny la tecnología utilizada. La forma en que logran el equilibrio tonal depende del sonido que se requiera.

¿Por qué lo necesito?

Todo se reduce al sonido requerido del que acabamos de hablar.

Los ingenieros deben recorrer una delgada línea entre cómo suena la interpretación tanto en vivo como grabada. Tomemos como ejemplo a un guitarrista.

El ingeniero necesita equilibrar el tono para que la guitarra suene increíble por sí sola y junto con el resto de la banda. Alcanzar el equilibrio tonal correcto implica administrar todos los instrumentos para que suenen bien juntos.

Esto se vuelve aún más pronunciado durante la mezcla. Aquí, el ingeniero de mezcla necesita asegurarse de que todo funcione en conjunto. Ningún instrumento puede dominar o luchar contra otro para llamar la atención.

El logro de este equilibrio variará de un género a otro. Eso es porque la gente espera diferentes sonidos de ciertos tipos de música. Incluso puede variar entre artistas del mismo género, dependiendo de cómo utilicen los instrumentos y la dinámica de las canciones.

Sin ese equilibrio tonal, la canción sonará “apagada”.

¿Cómo obtengo un buen equilibrio tonal?

Necesitas saber cómo quieres que suene la canción. Vaya a la fase de grabación con esto en mente para tener las pistas correctas disponibles.

Pasar a la fase de mezcla y escuche cualquier parte de la mezcla que suene demasiado suave o demasiado fuerte. Si la mezcla suena turbia, corte las frecuencias bajas o agregue las altas.

Asegúrese de utilizar la misma configuración de ecualizador en ambos canales. No querrás alterar el equilibrio estéreo.

Cuando llegue a la fase de masterización, intente comparar su mezcla con una canción existente. Elija uno del mismo género con el que está trabajando.

Ejecute la canción existente a través de un analizador espectral. Esto le permite ver y comprender sus frecuencias. Compárelos con su propia mezcla para ver si ha logrado un equilibrio tonal similar.

Clavar el equilibrio tonal

Ahora sabe por qué el balance tonal es tan importante al mezclar y masterizar audio. Si una canción está desequilibrada, el oyente no disfrutará lo mismo de la pista.

Conseguir un tono equilibrado correcto los dejará con una experiencia auditiva placentera.

Hay muchos elementos involucrados en alcanzar el equilibrio correcto. Si quieres ayuda experta, ¡Contáctanos y te ayudaremos.